2026年6月27日下午，关山月美术馆学术品牌“四方沙龙” 开讲，国际策展人、作家、文化学者沈奇岚博士做客深圳，以《艺术与策展——一场感性与时代的对话》为题，以近几年的重要策展实践为线索，呈现了一位“作者型策展人”如何以感性为方法，完成与时代、与艺术家、与观众的深度对话。

沈奇岚

国际策展人，作家，文化学者，德国明斯特大学哲学博士。

沈奇岚国际策展人，作家，文化学者，德国明斯特大学哲学博士。沈奇岚与国内外美术馆策划有多个富有国际影响力的展览和论坛项目。曾任《艺术世界》编辑部主任，现任《书城》杂志编委。华东师范大学设计学院客座教授。沈奇岚是中国新一代文化学者和策展人的代表人物之一。

近年来策划的展览有《时代逸飞：陈逸飞回顾展》（上海浦东美术馆）；《时间的呼吸》，法国Narbo Via 古罗马历史国家博物馆；《Lindy Lee：世间星辰》（成都A4美术馆）；《Per Kirkeby：秩序独造》，（顺德和美术馆）;《爱的新知识》（南京金鹰美术馆）等。

2025年，沈奇岚以其长期杰出的策展工作和广泛的文化影响力，获得了《罗博报告》以及《芭莎艺术》分别给予的“年度策展人”的殊荣。她的文章被译为英文、法文、德文、意大利文、韩文、葡萄牙文等多国语言并于各个国家出版。

一、感性是包含理性的生命判断力

讲座伊始，沈博士直指当下数字时代的精神困境：大众每日长时间沉浸短视频，碎片化信息不断稀释人的感知力，感性，不是一句“今晚夜色真美”的随口感叹，而是人类区别于人工智能最珍贵的核心能力。她打破大众对“感性” 等同于多愁善感的浅层认知，给出具有哲学底色的定义：“感性是一种包含着理性的情感活动与富有判断力的行动能力。感性决定意识的品质，艺术的高下之分，本质是作品背后意识的澄澈与厚重程度之分。”

在AI 深度介入创作、沟通的当下，理性工具可以完成数据梳理、文字生成、逻辑推演，但无法实现真正的共情与触摸。沈博士提出，理性只能处理标准化规则，而感性要求人直视他人处境、建立心灵联结；创作的本质是 “触知”——写作是触知，策展是触知，观看艺术同样是双向的心灵触碰。她引用杜拉斯《写作》中的原文作为核心支撑：“写作是未知数，写作以前你完全不知道将写什么…… 如果你在动笔以前，在写作以前，就大概知道会写什么，你永远也不会写，不值得写。”

在沈博士的策展实践中，“感性”并非与理性相对的直觉经验，而是一种进入历史现场的能力与通道：它关乎理解艺术家如何在图像、材料、身体、记忆与时间之间建立联系，也关乎策展人如何在作品之间提出问题、连接语境、生成新的观看秩序。从2022 年《感性对话》展览开始，她所有策展活动均围绕 “感性如何回应时代” 展开，以展览为载体，完成不同个体、不同文明之间的感性互通。

二、策展实践系列：以感性搭建多重对话场域

沈博士按时间脉络，依次拆解七个核心展览，结合创作背景、空间设计、艺术家沟通、叙事结构，具象展示，我们可以看到一位“作者型策展人”是如何把抽象的感性理念落地为完整的空间叙事，让每一场展览都是一次针对特定时代议题的感性实验。

（一）“感性对话”（2022，上海碧云美术馆）：以杜拉斯为引，书写女性生命经验

“感性对话”展览是沈博士系统性探索“感性” 的起点，契机源于杜拉斯系列文集再版。杜拉斯复杂、矛盾、一生在边缘抗争的生命特质，成为串联当代艺术的精神母题。沈博士从杜拉斯文学中提炼爱情、孤独、书写、母亲等核心关键词，从三十余位备选艺术家中筛选13位创作者，搭建文学与视觉艺术的对话通道。

展览的空间设计处处暗藏感性巧思。陶艾民《女书》系列极具代表性，艺术家将江永女书与搓衣板拓印结合，以古籍拓碑的庄重形式记录普通女性日复一日的家庭劳作，被安置在原本存放青铜器的古董展柜中，让女性的日常书写拥有纪念碑式的重量；鲁丹持续描绘窗外流云，作品背后是照顾重病亲人无尽等待的生命体验，流动的云成为时间与情绪的载体；潘曦《阿里阿德涅之线》借用古希腊神话，将创作比作走出人生迷宫的线索，呼应杜拉斯终身书写自我的生命选择……

展厅专门设置阅读房间，陈列杜拉斯文集，将杜拉斯视作“第十四位隐形艺术家”，她的文字散落在展厅各处，让文学灵魂全程参与观众的观看体验。沈奇岚强调，这场展览的核心不是解读杜拉斯，而是借由她的感性，看见所有观众共通的书写、孤独与生命力。

（二）“Lindy Lee：世间星辰”（2025，成都 A4 美术馆）：跨文化移民叙事，在自然中寻找自我

“Lindy Lee：世间星辰”是澳大利亚华裔国宝级艺术家Lindy Lee的个展，是一场关于移民、故土、时间与东方灵性的感性实践。Lindy Lee父母生于广东，因“白澳政策”，父母曾分离八年，这段跨越百年的侨民苦难史，深深打动沈奇岚，也成为展览的叙事根基。

Lindy Lee创造独属于自己的创作语言，材料具有独特性。展览空间分层构建两套感知体系：一层陈列雨、火创作的平面作品，落脚土地与大地记忆；二层放置巨型发光星空雕塑，营造沉浸式无我之境。

Lindy Lee改编版《倩女离魂》是本次展览的情感落脚，对应华裔群体双重文化身份的撕裂与融合。该巡展有可能将于2026年8月落地深圳，作为艺术家对母亲故土的致敬，而深圳作为移民城市，观众极易与这份 “双重自我” 的叙事产生深层共鸣。

三）“燃烧的尺度”（2024，上海外滩艺术中心）：女性艺术家，重构表达的边界

沈博士持续深耕女性艺术线索，但她强调，关注女性艺术家并非出于性别标签，而是她们创造出全新、独有的艺术语言，不断拓宽感知与表达的“尺度”。“燃烧的尺度”展览灵感源自尹秀珍的实验作品：铁尺、斧子封入瓷窑高温烧制，金属在高温中消融，只留下器物轮廓，“燃烧、消融、重塑” 的意象直接定义展览主题。

展览构建多重对照叙事。窑炉内微小物质的消融，对照刘昕用火箭残骸打造的巨型金属装置，一微观一宏大，共同诠释“燃烧” 的多元内涵；付小桐以数十万根针在纸上戳出山水，颠覆文人笔墨传统，用女性劳作式的手工开辟全新视觉语言；姚清妹吹羽毛行为装置，借不同身份表演者的肢体动作，展现社会规训对人的身体塑造……

整个展览结构如一首完整诗歌，层层递进探讨尺度、规训、突破与自由。

（四）“命名的时刻”（ASE 艺术图书馆→香港中文大学深圳）：为未被言说的生命创造新语言

“命名的时刻”展览依托ASE艺术基金会的女性艺术家作品收藏，主题指向一个核心观点：艺术家独特的创作语言，是为人类未曾被定义的感受赋予名字，这份创造属于全人类。

尹秀珍《一句话》将人一段时期全部衣物转化为胶片装置，不揭示藏在背后的文字，却让观众直观感知一段时光的重量；施慧拆解汉字偏旁，以绳线重构雕塑《书非书》，打破文字固有认知；听障艺术家Christine Sun Kim以肢体、桌椅、门窗探索语言之外的表达，呼应维特根斯坦 “语言的边界即世界的边界”……

巡展至香港中文大学（深圳）时，沈博士又根据场地空间、主办方需求对展览进行了重构。

（五）“爱的新知识”（2025，南京金鹰美术馆）：用空间重构日常情感认知

作为女性视角系列第三部，“爱的新知识”展览跳出单一女性议题，提出“女性视角本质是包容、聆听他者的视角，所有人都可以拥有”。

展览以“爱是否是一种可学习的知识” 为设问，排布充满矛盾与和解的作品对话，展览因极强的情感共鸣持续延期，成为兼具美学与情感价值的城市热门艺术项目。

（六）“时间的呼吸”（2026，法国Narbo Via古罗马国家博物馆）：让千年文物与当代艺术共振

“时间的呼吸”是沈奇岚近期刚落地的海外联展，场地为诺曼・福斯特设计的古罗马港口遗址博物馆，馆藏大量两千年前神庙断壁、铭文石刻。策展难点在于如何让冰冷的历史残石“说话”，她携手艺术家蒋琼耳（Jiang QiongEr），以融合敦煌岩彩、江永女书、多文明神兽的十二雕塑作为当代对话载体，分别对应时间、勇敢、自由、和平、共融、博爱等精神命题。

在展览现场，每一尊神兽都与古罗马文物精准配对。开幕特邀法国编舞家打造沉浸式行走舞蹈，带领观众 40 分钟缓慢观展，以身体感性唤醒文物生命力。

（七）时代逸飞：陈逸飞回顾展”（2025，上海浦东美术馆）：以时间叙事重构艺术家完整谱系

作为展览执行策展人，沈博士与总策展人冯远、另一执行策展人陈天（陈逸飞之子）合作，打破大众对陈逸飞“江南仕女画家” 的单一标签，搭建完整线性时间叙事，同时以 “时光倒流” 收尾形成《信条》式环形结构。

展览结尾设置反向时间长廊，从陈逸飞离世回溯至出生，展陈未完成油画、《理发师》电影拍摄日程手稿、艺术家手模，直面创作者一生不停歇的创作欲与未尽的理想。

（八）“贾蔼力：莽原”（2021，上海油罐艺术中心）：时代的精神旷野

“贾蔼力：莽原”展览落地上海油罐艺术中心，面对巨型罐状空间，沈博士做出极简布局：仅展出四幅大幅画作，留白充足空间呼应“莽原” 主题。她在入口写下序言定义展览内核：“莽原并非荒野，过去的重重叠叠，野草与生命在废墟中萌生，无序和理性的角斗场，过去、未来和现在同时降临。”

贾蔼力辽阔、冷峻的画面，精准回应时代动荡下人的精神荒芜，整场展览不堆砌大量展签，将解读空间交还观众。

“写作。有时候也意味着歌唱。”讲座尾声，沈博士播放音乐《山雀》作为收尾，以音乐完成文字、图像之外的第三重感性表达，也成为整场沙龙极具诗意的收尾。“对于每一个时代的人而言，一旦怀着历史的自觉，就能够感受到重重叠叠的过去、现在和未来，所进行的每一步也是徐徐展开的历史。”——这正是她所有策展工作的底色：以感性为方法，连接过去与未来，连接艺术家与观众，连接个体与时代。

三、交流互动：直面行业与大众的核心困惑

在问答互动环节，沈奇岚博士与现场听众就策展实践、女性视角、艺术普及等话题展开深入交流。沈博士认为，艺术必须回归艺术家所处的历史语境，坚守个体真实感受本身就是一种先锋表达。写作是完全私人、不受预算空间限制的单人创作；策展是多角色共创，需要协调艺术家、施工、场馆、观众，在现实限制中完成叙事。二者共通之处在于，都以“触知” 为核心，依靠好奇心持续挖掘人与世界的联结。